Gertrud „Gego“ Goldschmidt: Dieser Künstlerin geht jeder ins Netz

pDie flinken Aluminiumstäbe entfalten sich im Raum, sie sind verbunden mit Spielen ohne Anfang und ohne Ende. Sie sehen aus wie widerspenstige architektonische Organismen. Es ist, als würden halluzinatorische Spinnen an diesen glühenden Metallgeweben arbeiten. Aber es sind Skulpturen des Künstlers Gego.

Das Raster als Symbol menschlicher Beziehungen, die Linie als Beziehung zwischen Punkten in der Luft: Damit hat Gertrud Goldschmidt, die sich seit ihrer Kindheit Gego nennt, ein neues, offenes, modulares Skulpturenkonzept jenseits der Solidität entwickelt. und Solidität in den 1960er Jahren besetzten den Raum und sahen etwas Formbares in der Leere. Metall, für viele Bildhauer der damaligen Zeit eine Manifestation von Masse und Kraft, war für ihn eine leichtfüßige und souveräne Zeichnung im Raum.

Mikado wurde Architektur, mit der ein kleiner, feiner Künstler die viel gepriesene geometrische Abstraktion Lateinamerikas auf eine neue Ebene hob und die Ideen der amerikanischen Minimal Art in vergängliche, schimmernde Environments verwandelte. Ihre Installationen und Skulpturen wirken elegant, filigran und tanzend, organisch und beseelt, wie Geister, die aus der Zukunft herabstürzen – und doch sind sie von einer solchen technischen Finesse, dass nur ein ausgebildeter Architekt wie Gego so etwas herstellen könnte.

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Rückanfrage für Gegos Kunst

Die LGDR Gallery repräsentiert den Reichtum von Gego. Aktuell zeigt sie Skulpturen und Zeichnungen in Paris, die auch eine umfassende Ausstellung in der Jumex Foundation in Mexiko begleiten und eine Retrospektive im New Yorker Guggenheim Museum (ab März 2023) ankündigen. In Hamburg, wo Gego 1912 in die Bankiersfamilie Goldschmidt & Söhne hineingeboren wurde, und in Stuttgart, wo er Architektur studierte, wurde sie bereits in Museen ausgestellt. Aber es besteht international Nachholbedarf, sowohl bei den Institutionen als auch am Markt.

Die Preise reichen von 20.000 Dollar für Gegos Papierarbeiten bis zu 3,5 Millionen Dollar für die größeren Skulpturen, die schwer zu finden sind. Die meisten Werke kosten weniger als eine Million, was nicht viel ist für eine Künstlerin, die laut ihrer Galeristin Dominique Lévy auf einer Stufe mit Eva Hesse und Louise Bourgeois steht.

Blick in die Ausstellung „Gego.  Linien im Raum

Blick in die Ausstellung „Gego. Linien im Raum”, Galerie LGDR Paris

Quelle: © Fundación Gego/mit freundlicher Genehmigung von LGDR

„Unser Ziel ist es, die Bedeutung von Gego für die Kunstgeschichte zu institutionalisieren“, sagt Lévy im Interview. Dann folgt der Markt seinem eigenen Willen.“ Die gebürtige Schweizerin ist eine der beliebtesten Kunsthändlerinnen überhaupt, historische Ausstellungen gehören seit jeher zu ihrem Programm.

Sie betreibt ihre Galerie nun nicht nur mit ihrem langjährigen Partner Brett Gorvy, der wie sie über erhebliche Erfahrung im Auktionshaus verfügt, sondern auch mit Jeanne Greenberg Rohatyn, Gründerin der Galerie Salon 94 und Schwiegertochter der New Yorker Politiker. und Investmentbanker Felix Rohatyn. Vierte im Bunde ist Amalia Dayan, Enkelin des ehemaligen israelischen Verteidigungsministers Moshe Dayan und Ehefrau des New Yorker Investors, Sammlers und Kunsthändlers Adam Lindemann – sie leitete zuvor die Galerie Luxemburg & Dayan.

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Mit Standorten in Paris, New York, London und Hongkong zielt LGDR darauf ab, eine flexiblere Galeriestruktur in einen Kunstmarkt einzuführen, der zunehmend von Megagalerien dominiert wird. „Wir glauben nicht an eine exklusive Künstlervertretung, sondern an ein kollaboratives, projektbasiertes Modell. Wir finanzieren Produktionen, ohne Künstler daran zu hindern, sie mit anderen Partnern zu teilen“, sagt Lévy, der Kunstexperten von Italien über Korea bis Taiwan und Shanghai beschäftigt. Neben kuratierten Ausstellungen stehen Beratung und Recherche auf ihrer Agenda, sowie eine bald entstehende digitale Bibliothek, die Fotografien und Texte über den Galeriebetrieb hinaus zugänglich machen will.

Gego floh nach Venezuela

Dominique Lévy lernte Gegon einige Jahre nach ihrem Tod 1994 kennen. 2015 wurde sie die erste amerikanische Galeristin (nach Betty Parsons, die auch Jackson Pollock und Willem de Kooning vertrat), die mit Gegon zusammenarbeitete; Die venezolanische Regierung lieh ihr sogar die Chorros-Installation mit dem Auftrag, diese zarten Metallgeflechte, die von der Decke herabfließen, zu restaurieren. Gut möglich, dass Gego heute ihre Aussage revidiert, persönliche Erinnerungen seien für ihre Arbeit nicht relevant. Denn ohne ihre Lebensgeschichte ist sie nicht vorstellbar.

Gertrud Goldschmidt war das sechste von sieben Kindern. 1939 verließ sie als letztes Familienmitglied Hamburg auf der Flucht vor den Nazis – den Schlüssel zur Alstervilla ließ sie unübersehbar fallen. Sie ging nach England, wo sich ihre Verwandten aufhielten, bekam aber nur ein Transitvisum. Sie bestieg ein Frachtschiff nach Venezuela, ohne ein Wort Spanisch, aber mit einem Abschluss der Technischen Universität Stuttgart in der Tasche: damals eine der weltweit besten Universitäten für Architektur mit engen Verbindungen zum Ingenieurwesen.

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Mit ihrem Mann, dem deutschen Unternehmer Ernst Gunz, gründete sie in Caracas ein Innenarchitekturunternehmen, für das sie Lampen und Möbel entwarf. Ölboom und Einwanderung brachten Geld in die Kassen eines Landes, das in seine Infrastruktur investierte – und bald auch die kinetische Kunst förderte, die sich parallel zu Konkreter Kunst und Op Art in Brasilien zu einem nationalen Stil entwickelt.

In Caracas entwarf die Architektin, heute Mutter von zwei Kindern, Bars, Restaurants und den ersten Nachtclub, bevor sie sich auf das Unterrichten konzentrierte. 1951 trennte sie sich von ihrem Mann und verliebte sich in den Grafiker Gerd Leufert, der ihr Lebenspartner wurde. Er ermutigte Gego, sich ganz der Kunst zu widmen, die sie seit langem in Form von abstrakten Zeichnungen und Collagen praktizierte. Sie reiste durch Europa und begann, kleine Skulpturen aus Pappe und Draht zu bauen.

Skulptur des Künstlers Gego

Skulptur des Künstlers Gego

Quelle: © Fundación Gego/mit freundlicher Genehmigung von LGDR

So abstrakt ihre Arbeiten auch sind, eine gewisse Verbindung zum Körper sticht immer hervor. Und während in Brasilien mit Lygia Clark, Hélio Oiticica und Jésus Rafael Soto, in Deutschland mit der Zero Group und in den USA mit Agnes Martin und Frank Stella die geometrische Abstraktion in neue Dimensionen explodierte, besuchte Gego 1960 die Ausstellung des visionären Architekten Buckminster Fuller im Garten des Museum of Modern Art, New York.

Sie konnte ihren Tetraeder aus Aluminiumrohren und Kugelkuppeln aus dreieckigen Strukturen nicht loslassen. Raum, Leere, Licht, Linien, Reihen, Dreiecke und unendliche Verbindungen inspirieren ihre „Reticulárea“: Raster mit modularen Knoten, die den Raum einnehmen und, damit die Form stabil bleibt, Dreiecke bilden.

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Die soziale Dimension, Bezüge zum realen Leben, Skulptur als Ort der Begegnung und Interaktion prägten ihre Arbeit seither – zu einer Zeit, als die Rezeption von Maurice Merleau-Pontys Phänomenologie der Wahrnehmung durch Künstler wie Robert Morris, Richard Serra und Eva Hesse machten die Skulptur zu einem Vehikel für die unmittelbare Erfahrung von Körper und Raum. Diese Vorstellung, dass Skulptur die Umwelt aktiviert, sich energetisch ausdehnt und – anders als männliche Kollegen – Bewegung, Transparenz und Weichheit ausstrahlt, macht ihre Arbeit bis heute so lebendig.

Selbst die kleinsten Metallskulpturen, die im LGDR in Paris zu sehen sind und teilweise noch etwas Gegenständliches an sich haben, scheinen auf unheimliche Weise zu atmen und ein Eigenleben zu führen. Als wären Buckminster Fullers geodätische Kuppeln zu eigenständigen metallischen Organismen geworden, die wie Poesie Räume füllen.

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